Sales at Aukcja Dzieł Sztuki 1 czerwca 2021 (01-06-2021)
Catalog Number: 1
Piece data:
Artist: Jan Chrzciciel Lampi St. (przypisywany)
Title: Akt dziewczyny okrytej futrem, lata 90. XVIII w.
Dimensions: 101,0 x 76,0 x
Tools: oil, pencil
Surfaces: canvas
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaSzwecja, kolekcja prywatna
Description: Wszelkie cechy oferowanego obrazu: delikatne i miękkie, niemal niewidoczne pociągnięcia pędzla, łagodne zestawienie barw przeciwstawny: ciepłych tonacji jasnej karnacji ciała modelki (róże) z zimnymi błękitami płaszcza, łagodny walor barw, temat – portret nieznanej z imienia dziewczyny, centralna, osiowa kompozycja, ujęcie postaci z lekkiego prawego en trois-quarts, a przede wszystkim niezwykle zmysłowy charakter przedstawienia nagiej kobiety, ranga artystyczna dzieła pozwalają przypisać obraz ręce wybitnego malarza, portrecisty Jana Chrzciciela Lampiego starszego. Cechy formalne i stylistyczne sytuują jego powstanie w czwartej ćwierci XVIII wieku, a nawet ostatniej dekadzie stulecia.Oferowany portret przywodzi jednoznaczne skojarzenia ze znanym dziełem Petera Paula Rubensa (1577-1640) przedstawiającym drugą żonę malarza Helenę Fourment, namalowanym w 1638 roku.
Catalog Number: 2
Piece data:
Artist: Franciszek Kostrzewski
Title: Spotkanie pod lasem, 1893
Year: 1893
Dimensions: 115,0 x 63,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Catalog Number: 4
Piece data:
Artist: Tadeusz Styka
Title: Portret blondynki
Dimensions: 60,0 x 44,0 x
Tools: oil
Surfaces: cardboard
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaWielka Brytania, kolekcja prywatna
Catalog Number: 5
Piece data:
Artist: Władysław Skoczylas
Title: Ogród Luksemburski, 1910-11
Year: 1910
Dimensions: 32,0 x 46,5 x
Tools: watercolor
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Kraków, kolekcja prywatna
Catalog Number: 6
Piece data:
Artist: Nathaniel Sichel
Title: Dama w czerni, 1879
Year: 1879
Dimensions: 97,0 x 67,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaSopocki Dom Aukcyjny, 2.05.2017, poz. 83
Description: Oferowana praca należy do ciekawszych przykładów malarstwa portretowego pędzla Nathaniela Sichela. Ten płodny artysta stworzył liczne wizerunki kobiet, jednak najszerzej reprezentowaną grupą do tej pory na rynku antykwarycznym są portrety w typie orientalizującym. „Dama w czerni” przedstawia zaś kobietę w typie europejskim, ewidentnie pochodzącą z wyższych sfer, odzianą w XIX wieczną suknię ozdobioną wpiętą u dekoltu herbacianą różą. Zarówno sposób sportretowania dziewczyny jak i niezwykła dbałość o najmniejszy nawet detal zdradzają artystę o solidnym wyksztalceniu akademickim, jakim niewątpliwie był Sichel. W obrazie uwidacznia się zdolność artysty do odtworzenia różnorodnych faktur ubioru, ażurowych koronek u rękawów, lekkiego jak mgła kołnierza i drapowań sukni. Portret „Damy w czerni” urzeka zmysłowością jaką Sichel umiejętnie oddał w spojrzeniu czarnych oczu okolonych wyrazistymi brwiami i delikatnym uśmiechu portretowanej. Stojące na wysokim poziomie dekoracyjne kompozycje Nathaniela Sichela, będące kwintesencją europejskiego malarstwa XIX wieku, cieszyły się i cieszy nadal uznaniem wśród kolekcjonerów.
Catalog Number: 7
Piece data:
Artist: Władysław Czachórski
Title: Wnętrze klasztoru
Dimensions: 26,5 x 43,5 x
Tools: oil
Surfaces: board
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 17.03.2020, poz. 4Warszawa, kolekcja dr Izabelli GalickiejPolska, Muzeum Narodowe w WarszawieKolekcja Dominika Witke JeżewskiegoZbiory matki artysty
Exhibited: Warszawa, Towarzystwo Zachęty Sztuk Pięknych, Wystawa pośmiertna Władysława Czachórskiego, 1911
Description: O wielkości Czachórskiego jako malarza świadczą sukcesy jakie odnosił artysta już na początku swej drogi, studiując w Warszawie, Dreźnie i Monachium. I choć największy splendor przyniosły mu dekoracyjne kompozycje salonowe to nie należy zapominać o wąskiej grupie obrazów o zgoła innym wydźwięku a stanowiących świadectwo wielkiej wrażliwości i polskiego ducha. Na tle zapierających ornamentyką portretów dam oferowany obraz „Wnętrze klasztoru” jawi się jako wysmakowane w swej pokorze studium ciszy. Olej ten nie tylko przywołuje na myśl inne dzieło Czachórskiego „Wstąpienie do klasztoru” powstałe w Monachium w 1872 roku ale z przekonaniem graniczącym z pewnością należy je z nim łączyć. Obydwa cechuje intymność i nastrojowość, wyciszenie zmuszające do zatrzymania się i refleksji nad przedstawioną sceną. Dramatyzm monachijskiego „Wstąpienia do klasztoru” budują postaci, wokół których historii rozgrywa się scena. Nie bez znaczenia jednak pozostaje w tym obrazie sceneria – surowe i chłodne mury domu zakonnego uwypuklające dodatkowo ból rozstania. Temat ten rozwinięty jest natomiast w oferowanym obrazie pozbawionym ludzkiej obecności. Sposób malowania jak i samo wnętrze pozwalają przypuszczać, że chodzi o ten sam klasztor. Bardzo możliwe, że oferowany obraz poprzedza chronologicznie słynne „Wstąpienie do klasztoru” a Czachórski przygotowując się do namalowania tego ostatniego mógł z powodzeniem studiować wnętrze zakonnego domu w mniejszej kompozycji. Nie ulega jednak wątpliwości, że udało mu się zamknąć w niej całą gamę emocji od ludzkiego osamotnienia graniczącego z cierpieniem po pełną pokory postawę religijnej konsekracji. Za pomocą zabiegów kompozycyjnych i malarskich, głównie światła i koloru, wydobył atmosferę ciszy, skupienia i izolacji od świata zewnętrznego. „Wnętrze klasztoru” pokazywane było na pośmiertnej wystawie artysty w warszawskiej Zachęcie w 1911 roku.
Catalog Number: 8
Piece data:
Artist: Józef Brandt
Title: Powrót z wyprawy, 1913 (Pochód; Zdobycie chorągwi)
Year: 1913
Dimensions: 80,0 x 124,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prytwatnaPanorama Art Gallery, aukcja 07.12.1997, poz. 29kolekcja Karola Lewińskiego (od poł. lat 80. XX w.)kolekcja Walerii Ablewskiej i Kazimierza Ruszkiego (od 1948)kolekcja Jerzego Hraśko (od 1944)kolekcja Marii Łozińskiej, wdowy po gen. Janie Hemplukolekcja gen. Jana Hempla (od 1928)Warszawa, kolekcja Bernarda Gutnajera
Exhibited: Warszawa, TZSP, 1913
Reproduced: Józef Brandt, red. Micke-Broniarek E., Muzeum Narodowe w Warszawie, Warszawa 2018, tom 2, s. 352Panorama Art Gallery [katalog], 07.12.1997, nr kat. i il. 29Łozińska-Hemperl M., Z łańcucha wspomnień, Kraków 1986, il. 16Wiercińska J., Katalog prac wystawowych w Towarzystwie Zachęty Sztuk Pięknych w Warszawie w latach 1860-1914, Wrocław-Warszawa-Kraków 1969, s. 33Lubierzyński F., Koń w malarstwie polskim. Studium historyczno-estetyczne, „Miesiąc Ilustrowany”, nr 6 (1913), s. 455Kwietniowa wystawa Zachęty w Warszawie, „Ziarno” nr 15 (1913), s. 233
Description: Oferowany obraz „Powrót z wyprawy” namalowany został w 1913 roku. U schyłku swojego życia Brandt pozostawał niezwykle pracowity i aktywny zawodowo a każdy wychodzący spod jego pędzla obraz był wyczekiwanym wydarzeniem, o czym świadczyć może wyeksponowanie „Powrotu z wyprawy” w największej sali warszawskiej „Zachęty” na wystawie 1913 roku. Kompozycja w swej centralnej części przedstawia grupę polskich jeźdźców, z lewej strony zaś widoczna jest postać Kozaka na koniu wypatrującego powracających. Jest to powrót tryumfalny, mówi o tym wysoko podniesiona chorągiew trzymana przez otwierającego grupę wojaka. Całość dopowiadają zgromadzone po lewej stronie wozy i odpoczywające konie, z prawej strony w tle natomiast widzimy podążające w ślad za pierwszą grupą jeźdźców pozostałe formacje wojskowe. W „Powrocie z wyprawy” Brandt wprowadza dynamikę zwycięskiego wjazdu kontrastując ją ze statyką spokojnego oczekiwania, wyrażonego postacią Kozaka i fragmentu obozowiska. Obraz jest dowodem na mistrzowską umiejętność w aranżowaniu kompozycyjnym, na doskonałość warsztatu objawiającą się w najmniejszych nawet detalach uzbrojenia i stroju, na swobodę z jaką malarz poruszał się w dziedzinie przedstawienia zwierząt w ruchu, wreszcie zaś na wrażliwość na kolor i światło bijące z obrazu. Brandt nigdy nie był eksperymentatorem szukającym nowych rozwiązań formalnych, ale też nie tego od niego oczekiwano, ani też on sam nie czuł takiej potrzeby. Poruszał się z pewnością w ściśle przez siebie narzuconej tematyce. Do końca wierzył w misyjność swojego malarstwa, która objawiała się przede wszystkim przywoływaniem momentów chwały polskiego oręża. „Powrót z wyprawy” doskonale wpisuje się w taką właśnie narrację.
Catalog Number: 10
Piece data:
Artist: Adam Setkowicz
Title: Zaprzęg zimowy, 1900
Year: 1900
Dimensions: 60,0 x 99,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Catalog Number: 11
Piece data:
Artist: Tadeusz Popiel
Title: Branki w Jasyrze, ok. 1887
Dimensions: 75,0 x 114,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Polswiss Art, aukcja 1.06.2021, poz. 11Polska, kolekcja prywatna
Description: W malarstwie sztalugowym Popiel poruszał tematykę religijną i historyczną, malował sceny rodzajowe, portrety i pejzaże. Niektóre z kompozycji cieszyły się tak wielkim powodzeniem, że zmuszony był powtarzać ten sam temat w kilku wariantach, zawsze z właściwą sobie troską o detal i pieczołowitością warsztatową. Do takich prac należy oferowany obraz „Branki w jasyrze” („Branki tatarskie”), malowany około 1897 roku, który od znanych już wersji tego samego motywu odróżnia przede wszystkim obfitująca w mnogość detali kompozycja sceny. Pierwotnie temat branek został zamówiony u Popiela przez Jana II barona Goetze-Okocimskiego, mecenasa i filantropa, do powstającego pałacu w Okocimiu – jednej z najokazalszych rodowych siedzib ówczesnej Galicji. „Branki w jasyrze” należały do popularnego nurtu historycznego i orientalizującego panującego w polskim malarstwie końca XIX wieku. Motywy te podejmowano chętnie w Monachium czy w Wiedniu. Nie bez znaczenia dla powodzenia tych przedstawień wśród bogatej klienteli Tadeusza Popiela miała opublikowana parę lat wcześniej powieść „Branki w jasyrze” pióra Jadwigi Łuszczewskiej pod pseudonimem Deotyma.
Catalog Number: 12
Piece data:
Artist: Wojciech Kossak
Title: Szkoła jazdy Stanisława Augusta Poniatowskiego, 1883 (Królewska ujeżdżalnia za czasów Stanisława Augusta)
Year: 1883
Dimensions: 79,5 x 63,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Bielsko-Biała, kolekcja prywatnaBielsko-Biała, Galeria Sztuka i Antyki (1992)
Description: Najwcześniejszy etap twórczości Wojciecha Kossaka związany jest z Monachium i Paryżem, gdzie dwudziestoparoletni wówczas artysta zdobywał malarskie szlify. Obrazy z tego okresu, przypadającego na lata 70. i 80. XIX wieku to przede wszystkim studia rzeźb antycznych („Biust grecki”, 1871) , portrety („Głowa starca”, 1874), kompozycje o charakterze historycznym („Brygadier”, 1873) oraz dekoracyjne w swym wyrazie i rozbudowane obrazy przedstawiające wyjazdy na polowania czy sceny o tematyce zahaczającej o malarstwo rodzajowe jak „Zabawa w ogrodzie w manierze fête galante” (1882) i „Na kwaterę, spotkanie z przyszłą żoną” (1889).
Catalog Number: 13
Piece data:
Artist: Wojciech Kossak
Title: Ułan na koniu, 1921
Year: 1921
Dimensions: 54,0 x 46,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 12.03.2014, poz. 31
Catalog Number: 14
Piece data:
Artist: Aleksandra Egorovna Makovskaja
Title: Panny z gęsiami
Dimensions: 17,0 x 22,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaSzwecja, kolekcja prywatna
Catalog Number: 16
Piece data:
Artist: Włodzimierz Tetmajer
Title: Wielkanoc w Bronowicach, 1904
Year: 1904
Dimensions: 75,5 x 100,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaAgra Art, aukcja 30.03.2003, poz. 25
Description: Postać Włodzimierza Tetmajera nierozerwalnie wiąże się w historii literatury i sztuki polskiej z epoką „Młodej Polski”. Artur Górski, pisarz i krytyk literacki, autor terminu określającego tę właśnie epokę pisał o współczesnym mu malarstwie słowami: „Dwa zdają mi się przejawy rodzimości w malarstwie polskim: wielka ekspresja uczucia (Matejko) i pewien odrębny nastrój, pewien ton grający w nich rodzimą melodię. W tym nastroju tworzy Chełmoński i Wł. Tetmajer”. Tetmajer, uczeń Jana Matejki, artystyczną drogę rozpoczynał pod wielkim wpływem swojego mistrza lecz zagraniczne wyjazdy, w czasie których zetknął się z malarstwem plenerowym i impresjonizmem spowodowały odwrót artysty od akademizmu i historyzmu. Wywodzący się z krakowskiego środowiska Tetmajer stał się w krótkim czasie wiodącym twórcą młodopolskim a podejmowana przez niego tematyka skupiła się na wątkach związanych z powszechnie panującą wówczas modą na tzw. chłopomanię. Fascynacja zepchniętym na margines światem chłopstwa, ich obyczajowością i tradycjami, wynikała z pobudek patriotycznych i nierzadko przybierała też wymiar osobisty – jak wielu mu współczesnych artystów również Włodzimierz Tetmajer zawarł związek małżeński z chłopką – Anną Mikołajczykówną z Bronowic, a jego przyjaciel – poeta Lucjan Rydel – wybrał sobie na żoną siostrę Anny, Jadwigę. Ślub Lucjana i Jadwigi stał się później kanwą „Wesela” Stanisława Wyspiańskiego, w którym Gospodarzem jest właśnie Włodzimierz Tetmajer. Dzięki małżeństwu artysty z Anną Bronowice (obecnie dzielnica Krakowa) stały się najbardziej obmalowaną polską wsią. Zjeżdżała się tu wówczas cała krakowska „malaria” by tworzyć, a później w domu Tetmajera odbyło się słynne „Wesele”. Fascynacja ludowością nie mogła nie wpłynąć na twórczość malarską artysty.
Catalog Number: 17
Piece data:
Artist: Włodzimierz Tetmajer
Title: Łapanie dziewcząt, ok. 1920
Dimensions: 43,2 x 55,8 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Description: Tetmajerowie byli bogatą ziemiańską rodziną. W wyniku podjętej przez niego decyzji o ożenku z Anną Mikołajczykówną, córką chłopa z Bronowic, posądzony o mezalians Włodzimierz nie mógł już liczyć na nic z tej rodzinnej fortuny. Młodzi małżonkowie pomieszkiwali kątem w wiejskiej chałupie Mikołajczyka. Dopiero w 1894 roku na polu teścia Włodzimierz wybudował dwór. Był to budynek bardzo skromny, drobnoszlachecki – cztery izby z sienią, dach kryty strzechą. Nazwany był w późniejszych latach „Rydlówką” – artysta odstąpił go bowiem swojemu przyjacielowi, poecie Lucjanowi Rydlowi, na przyjęcie weselne. To właśnie tutaj umieścił akcję swojego słynnego dramatu Stanisław Wyspiański. Bohaterami autor uczynił gości weselnych, wśród nich również Włodzimierza Tetmajera jako Gospodarza, a także jego żonę, starszą siostrę panny młodej. Kilka lat później Włodzimierz Tetmajer zdecydował się sprzedać swojemu przyjacielowi dworek. Sam zaś przeniósł się z rodziną nieopodal, do obszerniejszego dworku wraz z przyległymi zabudowaniami gospodarczymi.
Catalog Number: 18
Piece data:
Artist: Julian Fałat
Title: Na polowanie, 1915
Year: 1915
Dimensions: 66,5 x 94,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaRempex, aukcja 26.08.2009, poz. 232
Description: Oferowany obraz należy do cyklu płócien obrazujących polowania w białoruskich lasach należących do książąt Radziwiłłów. Tematyka myśliwska to, obok zimowych pejzaży, najczęściej podejmowany motyw w twórczości Juliana Fałata. Momentem decydującym o podjęciu takiego kierunku stał się udział artysty w polowaniu zorganizowanym w 1886 roku w Nieświeżu, w którym oprócz księcia Antoniego Radziwiłła bawił również książę Prus, późniejszy cesarz Wilhelm II Hohenzollern. Udział w wydarzeniu zaowocował stworzeniem kilkudziesięciu kompozycji i przyniósł Fałatowi ogromny rozgłos wśród krytyków i społeczeństwa. W późniejszych latach Fałat bywał gościem cesarza Wilhelma II w Berlinie malując dla monarchy lubiane przez niego sceny łowieckie rozgrywające się wokół pałacu myśliwskiego Hubertusstock.
Catalog Number: 21
Piece data:
Artist: Jacek Malczewski
Title: Malarczyk i Muza, 1895 (Marzenia)
Year: 1895
Dimensions: 63,5 x 79,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaDesa Unicum, aukcja 22.02.2007, poz. 12Polska, kolekcja prywatna
Reproduced: fotografia autorstwa Ignacego Kriegera, odbitka na papierze albuminowym, archiwum Muzeum Narodowego w Krakowie, dostęp:www.polona.pl/item/31577533fotografia dar Karola Lanckorońskiego dla Polskiej Akademii Umiejętności w 1929 roku, własność Polskiej Akademii Nauk, lokalizacja: Fototeka Lanckorońskich PAU, dostęp:www.pauart.pl
Description: Symbolistyczny cykl obrazów w twórczości Malczewskiego rozpoczął się wraz z namalowaną w 1890 kompozycją zatytułowaną „Introdukcja”. Dzieło to w realistycznej konwencji obrazuje relacje między sztuką a naturą, między wewnętrznym przeżyciem, marzeniem a wyostrzoną wrażliwością zmysłów. Pojawia się w niej po raz pierwszy postać malarczyka, który jeszcze kilkukrotnie będzie bohaterem obrazów Malczewskiego. Już w „Introdukcji” utożsamia on bowiem samego malarza i jego dylematy i rozterki związane z rolą artysty. Jego postać powraca w obrazie „Błędne koło” (1895-1897). Malarczyk zasiada tam na szczycie drabiny, góruje zamyślony nad szalonym wirem ludzkich postaci krążącym u jego stóp wśród fruwających szablonów malarskich. Postaci krążące wokół drabiny w przedziwnym tańcu uosabiają targające artystą często sprzeczne emocje. Tematyka na wskroś symboliczna jaką podejmuje Malczewski w tej kompozycji zawiera w sobie pytania o rolę i pozycję malarza, o jego kondycję względem trudnych czasów zniewolenia, wreszcie zaś o przyszłość Ojczyzny. Korowód postaci zrodzonych w twórczej wyobraźni opanował przestrzeń malarskiej pracowni w kluczowym dla sztuki Malczewskiego obrazie-manifeście „Melancholia. Prolog. Widzenie. Wiek ostatni w Polsce” (1890-1894). Dzieło to uznawane jest za manifest symbolizmu. W obrazie tym wątki symboliczne mieszają się z historiozoficznymi odnoszącymi się do apatii w jaką popadł zniewolony od ponad wieku naród.
Catalog Number: 22
Piece data:
Artist: Jacek Malczewski
Title: Iłża, k. XIX w.
Dimensions: 30,0 x 56,0 x
Tools: oil
Surfaces: cardboard
Signed: Yes
Provenance: Rzeszów, kolekcja prywatna
Description: Iłża to maleńka malowniczo położona miejscowość nieopodal Radomia z charakterystycznymi ruinami zamku górującymi nad okolicą. Jacek Malczewski znał dobrze to miejsce znajdujące się na jego rodzinnej ziemi radomskiej, nieopodal majątku rodziny Karczewskich w Wielgiem, gdzie jako młody chłopak spędzał dużo czasu. Dlatego też z najwcześniejszym okresem twórczym Malczewskiego wiążą się obrazy ukazujące krajobraz rodzimych miejsc. Oferowany pejzaż „Iłża” należy właśnie do takich przedstawień. Wspaniała, głęboka perspektywa, powietrze i światło tworzą niepowtarzalny nastrój oferowanego pejzażu. Słoneczne światło oświetla je łagodnym, rozproszonym blaskiem, wprowadza do kompozycji charakterystyczny dla artysty klimat liryzmu, zadumy i ukochania ziemi ojczystej, spotykany przede wszystkim w kompozycjach symbolicznych. Pejzaże w twórczości Jacka Malczewskiego stanowią byt sam w sobie i właściwie należy je odczytywać właśnie w oderwaniu od reszty malarskiego dorobku artysty. Zdaje się jakby w pejzaż artysta wsłuchiwał się i chłonął go wszystkimi zmysłami a następnie przelewał na obraz sumę wszystkich odebranych wrażeń. W tym sensie malarstwo krajobrazowe Malczewskiego jest na wskroś poetyckie, odsłania nieznany portretom czy kompozycjom symbolicznym liryczny kawałek duszy artysty. Jak trafnie zauważa Tadeusz Dobrowolski (Nowoczesne malarstwo polskie, 1960, s. 295): „Pejzaże, pojęte w sposób całkowicie odrębny, własny, zawierają wiele zniewalających szczegółów odtworzonych z czułością godną średniowiecznego artysty. Pierwszoplanowe krzewy, trawy, ptaki i drobne żyjątka (np. motyw kałuży w Wiośnie) dowodzą franciszkańskiego niemal umiłowania przyrody i stanowią urocze akcesoria jego sztuki”
Catalog Number: 23
Piece data:
Artist: Stanisław Ignacy Witkiewicz - Witkacy
Title: Portret Eugenii Dunin-Borkowskiej, 1931
Year: 1931
Dimensions: 64,7 x 49,2 x
Tools: pastel
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Polska, kolekcja prywatnaDesa Unicum, aukcja 26.01.1997, poz. 65
Description: Eugenia Dunin-Borkowska była wieloletnią przyjaciółką Stanisława Ignacego Witkiewicza, żoną Władysława Dunin-Borkowskiego, z którym Witkacy studiował w krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych w latach 1905-1910. Obydwoje stali się bohaterami witkiewiczowskiej powieści „622 upadki Bunga” jako margrabiostwo de Montfort. W powieści tej Witkiewicz tak scharakteryzował swą przyjaciółkę: „(…) była to kobieta wysoka i szczupła. Miała złoto blond włosy zakręcone na uszach a la Cleo i ciemne jak skrzydła lecącego ptaka podniesione brwi. Niebieskie, smutne jej oczy miały wyraz prowokujący do najbardziej istotnych zwierzeń, i to specjalnie dotyczących nieszczęść jej interlokutora”. Eugenia była znaną postacią w Zakopanem. Przed 1914 rokiem w willi Jambur przy Drodze do Białego prowadziła otwarty salon, w którym regularnie spotykali się przedstawiciele zakopiańskiej śmietanki towarzyskiej. Sama Eugenia miała aspiracje artystyczne – ukończyła studia dramatyczne, wystąpiła w sztuce Stefana Żeromskiego „Ponad śnieg bielszym się stanę”, pisała wiersze publikowane w krakowskim czasopiśmie „Maski“, malowała, a w 1920 wspólnie z Witkacym napisała dramat „Mister Price, czyli bzik tropikalny”. O Eugenii pisano, że „swoją subtelną inteligencją, bystrymi poglądami na sztukę i literaturę, wreszcie kulturą umysłową i estetyczną przypominała ona najlepsze egzemplarze rokokowych sawantek. Miała pastelową, trochę kameralną urodę i maniery wielkoświatowej damy; była jednak dziwnie ściszona i wbrew kobiecej naturze raczej małomówna. Bił z niej niewymuszony wykwint, na który nie pozowała bynajmniej wcale, uderzała przy tym pewnym pociągającym stylem organizacji psychicznej, wysoce wydelikaconej. W jej towarzystwie wypoczywałem duchowo, chociaż prowadziliśmy nieraz wielogodzinne rozmowy o freudyźmie i spengleryźmie, o Huxleyu, o istocie dostojewszczyzny, o teoriach gnostycko-manichejskich, o neoplatoniźmie, a przede wszystkim o Stasiu Witkiewiczu“ (Jerzy Eugeniusz Płomieński w: Stanisław Ignacy Witkiewicz. Człowiek i twórca, s. 189).
Catalog Number: 24
Piece data:
Artist: Stanisław Ignacy Witkiewicz - Witkacy
Title: Portret doktora Pakowskiego, 1934
Year: 1934
Dimensions: 68,2 x 49,8 x
Tools: pastel
Surfaces: paper
Signed: Yes
Catalog Number: 25
Piece data:
Artist: Józef Mehoffer
Title: Portret kobiety, 1929
Year: 1929
Dimensions: 61,0 x 46,5 x
Tools: coal
Surfaces: paper
Provenance: Kraków, kolekcja prywatnaKraków, kolekcja Stanisława PochwalskiegoKraków, kolekcja Franciszka Kleina
Description: Z lat dwudziestych XX wieku pochodzi seria intymnych w duchu wizerunków malowanych na papierze tuszem, kredką, ołówkiem, czasem węglem. Są to portrety znanych Mohefferowi osób, pochodzących z kręgu przyjaciół i rodziny. Intymny ich charakter często podkreślony jest dedykacją jaką umieszczał artysta na ukończonej pracy. Do takich przykładów należy chociażby „Portret księdza prałata Józefa Florczaka” wykonany w 1925 roku ołówkiem (obecnie w zbiorach Muzeum Sztuki w Łodzi).
Catalog Number: 27
Piece data:
Artist: Artysta Nieokreślony (Szkoła Zakopiańska)
Title: Kompozycja figuralna, lata 30. XX wieku
Dimensions: 53,0 x 23,0 x 16,0
Reproduced: Halnym wyrzeźbione [katalog wystawy], Zakopane 2016, s. 21
Description: W XIX w. i w pierwszych dekadach XX w. inteligencja miejska uciekać od miasta i szukać inspiracji w wiejskim zakopiańskim życiu. Widzieli wyższe wartości w obcowaniu z ubogimi góralami, podziwiali szlachetność ich postępowań i surowość natury, która definiowała ich życie. Zachwyceni przyjezdni nie chcieli stać się jednym z mieszkańców zakopanego i wieść trudne, ale moralne życie. Chcieli zadbać o badanie, systematyzowanie i popularyzowanie regionu. W 1873 roku powstało Towarzystwo Tatrzańskie, które miało wspierać przemysł górski oraz nadać rozgłos kulturze, naturze i lokalnym zasobom. Założycielami stowarzyszenie byli mieszkańcy Zakopanego: Tytus Chałbiński, ksiądz Józef Stolarczyk i Walery Eliasz Radzikowski. Dzięki ich zaangażowaniu już rok po powstaniu Towarzystwa Tatrzańskiego otworzono Szkołę Snycerską gdzie górale mogli nauczyć się pożytecznego rzemiosła. Po dwóch latach szkoła została przejęta przez władze austriackie. Została zmieniona nazwa na C.K. Szkołę Zawodową Przemysłu Drzewnego, oraz program nauczania. Początkowo sama nauka rzemiosła była priorytetem dla kadry nauczycielskiej. Jednak z czasem nacisk został stawiany bardziej na artystyczne wykształcenie absolwentów. W tym okresie dyrektorem szkoły był Karol Stryjeński. Stanisław Witkiewicz w ostatniej dekadzie XIX wieku optował za tym, aby styl zakopiański stał się charakterystyczny dla całego kraju. Styl zakopiański był doceniany w kraju (Salon Czesława Garlińskiego w Warszawie, 1924) i za granicą (Międzynarodowa Wystawa Sztuk Dekoracyjnych i Nowoczesnego Przemysłu, 1925). Sposób tworzenia, który charakteryzował absolwentów Szkoły Zawodowej Przemysłu Drzewnego stał się synonimem rzeźby zakopiańskiej i rozpoznawany był jako Polska Sztuka Dekoracyjna. Dumą sztuki Podhala jest rzeźba grubo ciosana, o formie dynamicznej i rytmicznej, pełna ducha natury.
Verified Artist: Yes
Catalog Number: 28
Piece data:
Artist: Wojciech Weiss
Title: Akt z książką
Dimensions: 61,5 x 80,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Rzeszów, kolekcja prywatnaRempex, aukcja 24.05.2006, poz. 208
Description: Historia przedstawień kobiecych aktów sięga początków sztuki. Od personifikacjipłodności, przez renesansowe piękności, aż po ciche akty anonimowych kobiet, którychnaturalność ciała zachwyciła malarzy i znaleźli w niej twórczą inspirację. Nagość bywałakontrowersyjna, była pokazywana pod pretekstem przedstawień bóstw wygiętych iupozowanych. Musiała przejść daleką drogę, aby malarz mógł sportretować zwyczajnąkobietę, w naturalnej pozie, przy czynności tak prozaicznej, jak czytanie gazety.Weiss malował pejzaże, martwe natury, kompozycje fantastyczne i rodzajowe, orazsugestywne, zmysłowe akty. Namalował niesamowitą liczbę obrazów przedstawiającychswoją żonę, jednak nagie portrety praktycznie zawsze przedstawiały kogoś innego. Artystadoskonale umiał uchwycić tektonikę ludzkiego ciała sposób, w jaki odbija się od niegoświatło i bezpretensjonalność nagości, gdy jest uwieczniona w całym swoim naturalnymgeście.
Catalog Number: 30
Piece data:
Artist: Stefan Filipkiewicz
Title: Ogród
Dimensions: 55,0 x 65,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Exhibited: Rzeszów, Muzeum Okręgowe, Trwaj naturo. Jesteś piękna!, 01-10.2020
Reproduced: Rudzka-Marmaj D., Trwaj naturo. Jesteś piękna!, Muzeum Okręgowe, Rzeszów 2020, il. 13, s. 22
Catalog Number: 31
Piece data:
Artist: Konstanty Mackiewicz
Title: Nokturn paryski
Dimensions: 81,0 x 100,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Catalog Number: 32
Piece data:
Artist: Bolesław Biegas
Title: Pierwotni ludzie, 1903
Year: 1903
Dimensions: 53,0 x 15,0 x
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaBlanchet & Associes, aukcja 30.06.20, poz. 261Francja, kolekcja prywatna
Exhibited: Paryż, Trianon w Parku Bagatela, 21.05-30.08.1992
Reproduced: Bolesław Biegas. Rzeźba wyd. Muzeum Mazowieckie w Płocku, Warszawa 2012, il. 15, s. 056 (gips)Deryng X., Bolesław Biegas, wyd. Polskie Towarzystwo Historyczno-Literackie Biblioteka Polska w Paryżu, 2011, s. 269 (gips z kolekcji Muzeum Narodowego w Gdańsku)Boleslas Biegas. Scultures-Peintures, wyd. Studium Reynes, Paryż 1992, il. 9, s. 72
Description: Oferowana rzeźba „Ludzie pierwotni” powstała w 1903 roku, niedługo po tym jak artysta przybył do Paryża. Z tego czasu pochodzą prace utrzymane w nurcie geometryczno-linearnym. Według Anny Mai Misiak, badaczki twórczości rzeźbiarskiej Bolesława Biegasa, w „Ludziach pierwotnych” widoczne jest zauroczenie sztuką holenderskiego artysty Jana Tooropa, który święcił tryumfy w Wiedniu w 1900 roku. „Styl Tooropa cechuje się płaszczyznowością, geometryzacją form, schematyzmem, hieratyzmem oraz ścisłym linearyzmem, przy czym uduchowiona linia staje się ornamentalnym wyrazem mistycznego odczucia. (…) Toorop chętnie stosował ornamentykę Dalekiego Wschodu. Struktura jego dzieł jest na wskroś dekoracyjna, a przedstawienia – mocno stylizowane. Wszystkie te elementy charakteryzujące wypowiedź malarską Tooropa odnajdujemy w dziełach Biegasa przetłumaczone na język rzeźby” zauważa dalej Misiak (Bolesław Biegas. Twórczość rzeźbiarska, wyd. Muzeum Mazowieckie w Płocku, 2001, s. 49). Toorop czerpał motywy przede wszystkim z literatury symbolizmu, fascynowała go zagadka istnienia, misterium życia, złożoność ludzkiej natury przedstawianej jako postać Sfinksa. Wszystkie powyższe zagadnienia odnajdujemy również w sztuce rzeźbiarskiej Biegasa w pierwszych latach XX wieku. Nawiązanie do tematyki poszukiwania początków istnienia ludzkości widoczne są w sposób szczególny w rzeźbach „Wszechświat”, „Opatrzność” oraz w oferowanych „Ludziach pierwotnych”. Trapezoidalne sylwetki postaci, o syntetycznie potraktowanym woluminie ciała i reliefowo wyrytych dłoniach wyróżniają się realistycznym opracowaniem fizjonomii. Oferowana rzeźba to jedna z ostatnich kompozycji o wyraźnych cechach geometryzujących. W kolejnych latach nastąpiła bowiem zmiana stylistyki prac Biegasa, który zaczął zbliżać się ku secesji.
Catalog Number: 33
Piece data:
Artist: Henryk Epstein
Title: Wioska, 1925
Year: 1925
Dimensions: 60,0 x 73,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 02.06.2020, poz. 26Polska, kolekcja prywatnaUSA, kolekcja Toma Podlakolekcja Marka Mielniczuka – 1988Paryż, Hotel Drouot, aukcja, lata 80-te
Reproduced: Król A., Tanikowski A., Kolory Tożsamości. Sztuka polska z amerykańskiej kolekcji Toma Podla, wyd. MNK Kraków, 2001, s. 200
Catalog Number: 35
Piece data:
Artist: Mojżesz Kisling
Title: Portret młodej kobiety, 1931
Year: 1931
Dimensions: 34,2 x 25,4 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaSotheby’s Nowy Jork, aukcja 11.03.2021, poz. 33Nowy Jork, kolekcja Edwarda Tylera NahemNowy Jork, kolekcja prywatna
Reproduced: Kisling J., Ottavi M., Catalogue Raisonne de l’Oeuvre de Moise Kisling, tom 1,2,3,4. (w przygotowaniu)
Description: Prezentowana praca to doskonały przykład subtelnego modelunku współgrającego z syntetyzacją formy. Charakteryzuje się czystymi barwami, neutralnym tłem i gładką, lśniącą powierzchnią. „Portret młodej kobiety” doskonale wpisuje się we współczesne nurty sztuki Paryża a zwłaszcza w tzw. portret melancholijny, który od lat 30. XX w. przekształcił się w sztukę mizerabilistyczną. Taki rodzaj portretowania znajdujemy w twórczości innych polsko-paryskich malarzy, np. u Maurycego Minkowskiego, Eugeniusza Zaka czy Tadeusza Makowskiego. W 1925 roku Franz Roh uznał twórczość Kislinga za charakterystyczną dla wyodrębniającego się „postekspresjonizmu”, nazywanego również „nową rzeczowością”. Postekspresjonizm łączył się u Kislinga z realistyczną, linearną formą oraz historyzmem widocznym w ujmowaniu postaci w ludowych strojach. W przypadku oferowanego portretu jest to granatowy berecik na głowie małego bretończyka. O niezwykłości prezentowanego portretu świadczy dodatkowo fakt, że olejne obrazy Kislinga są ciągle rzadkością na polskim rynku sztuki. Niezwykła osobowość artysty pełna radości życia i radości tworzenia przyniosła mu szerokie uznanie. Kisling w dużym stopniu ukształtował legendę bohemy XIV dzielnicy Paryża przez co zyskał miano „Księcia Montparnasse’u”.
Catalog Number: 36
Piece data:
Artist: Mojżesz Kisling
Title: Nu allonge, 1925
Year: 1925
Dimensions: 89,0 x 116,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaUSA, kolekcja prywatnaParyż, Galerie StiebelParyż, kolekcja prywatna
Exhibited: Paryż, Galerie Stiebel (przed 1945)
Reproduced: Kessel J., Kisling J., Kisling, wyd. Harry N. Abrams Inc., Nowy Jork 1971, il. 31, s. 281
Description: Akt w twórczości Kislinga zajmuje szczególne miejsce. Pierwsze kompozycje z tego gatunku pojawiają się około 1914 roku. Po I wojnie światowej wykrystalizował się u artysty rodzaj dekoracyjnego aktu zbudowanego precyzyjną stylizowaną linią, wyraźną formą i czystą, nasyconą barwą. Jak pisał Tadeusz Dobrowolski: „Swoje postacie kobiece, zwłaszcza akty urodziwych dziewcząt, uwypuklał silnym i krągłym modelunkiem, prowadzącym nieraz do wyolbrzymienia bioder, może a przykładem Modiglianiego, z którym się przyjaźnił.” (Malarstwo Polskie, wyd. Ossolineum, Wrocław 1989, s. 325). Przestrzenna pracownia Kislinga przy Rue Joseph-Bara była dlań miejscem sesji malarskich. Zapraszał tam najmowane do portretowania modelki – piękności o migdałowatych oczach i zmysłowych ciałach, które stały się już za życia Kislinga jego „znakiem firmowym”.
Catalog Number: 38
Piece data:
Artist: Zygmunt Menkes
Title: Kobieta w fotelu, przed 1950
Dimensions: 96,7 x 76,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaUSA, kolekcja prywatnaNowy Jork, Tepper Galleries (2002)Nowy Jork (Riverdale), kolekcja Ireny Sternwłasność artysty
Exhibited: Nowy Jork, National Accademie Galeries, Audubon Artists 8th Annual Exhibition, 27.04-17.05.1950
Catalog Number: 42
Piece data:
Artist: Max Ernst
Title: Ubieranie poślubionej, 1940
Year: 1940
Dimensions: 121,0 x 90,0 x
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Catalog Number: 45
Piece data:
Artist: Marek Włodarski (Henryk Streng)
Title: Klatka i worki, 1929
Year: 1929
Dimensions: 24,8 x 28,3 x
Tools: pencil
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Poznań, kolekcja prywatna
Exhibited: Warszawa, Muzeum Narodowe w Warszawie, Marek Włodarski (Henryk Streng), 12.1981-01.1982
Description: Oferowana praca „Klatka i worki” należy do grupy blisko dwustu rysunków pokazanych na wystawie monograficznej artysty, która odbyła się w Muzeum Narodowym w Warszawie na przełomie 1981 i 1982 roku. Stworzona w 1929 roku wpisuje się w cykl prac surrealistycznych powstałych na przełomie lat 20. i 30.Po studiach w Paryżu Włodarski wrócił do Lwowa pod koniec 1929 roku i odtąd jego sztukę rozpatruje się w kontekście grupy „Artes”. Ogólnym założeniem grupy było tworzenie „współczesnego” malarstwa oraz architektury i przyciągała ona wszystkich artystów wyłamujących się z szablonu. Na wystawach „Artesu” można było spotkać między innymi obrazy zbliżone w swym klimacie do surrealizmu. W twórczości Włodarskiego pierwsze symptomy surrealizmu widoczne były już w pracach z wczesnych lat 20. Opierając się na założeniach Legerowskich w istocie inspirowane były szyldami reklamowymi z lwowskich ulic. Zastosowanie rozbicia kompozycji obrazu na niezależne od siebie fragmenty rzeczywistości miało za cel pokazać zupełnie nowy obraz miejskiej tkanki o nadrealistycznym wyrazie. Surrealistyczne rozwiązania oraz wierność dwuwymiarowości zastosowanej w oferowanej pracy nadaje jej nowoczesnego, „mechanicznego” piękna promowanego przez ówczesną awangardę lat 20.
Verified Artist: Yes
Catalog Number: 46
Piece data:
![Bez tytułu [Biegaczka], 1955](https://fra1.digitaloceanspaces.com/portfelsztuki/media/poland/polswissart/2021-06-01/Aukcja%20Dzie%C5%82%20Sztuki/46.jpg?AWSAccessKeyId=DO00JUCX987KQTU934WJ&Signature=n7XuSTvn87c5pGg79KE%2Bf7ymMNE%3D&Expires=1747583669)
Artist: Andrzej Wróblewski
Title: Bez tytułu [Biegaczka], 1955
Year: 1955
Dimensions: 29,0 x 41,0 x
Tools: gouache
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Kraków, kolekcja prywatnaKraków, Galeria Zderzak
Catalog Number: 47
Piece data:
Artist: Tadeusz Kantor
Title: Informel, 1959
Year: 1959
Dimensions: 66,0 x 82,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 11.12.2018, poz. 51Belgia, kolekcja prywatnaUSA, kolekcja prywatnaNowy Jork, Saidenberg GalleryKraków, własność artysty
Exhibited: Nowy Jork, Saidenberg Gallery, Tadeusz Kantor (wystawa indywidualna), 10.1960
Description: Tadeusz Kantor był poszukiwaczem nowinek artystycznych a w Polsce jednym z najbaczniejszych obserwatorów nowych trendów pojawiających się w sztuce europejskiej i amerykańskiej. Jego zamiłowanie do eksperymentu i niechęć do podążania utartymi ścieżkami powodowały, że każdy wyjazd poza granice kraju inspirował Kantora do nowych działań, które z zapałem podejmował. Pierwszy wyjazd do Paryża w 1947 i kolejny w 1955 roku stały się przełomowymi w karierze artysty. Zetknął się wówczas z twórczością Wolsa, Foutriera, Mathieu i Pollocka i po powrocie do kraju rozpoczyna własną przygodę z malarstwem gestu. Własną sztukę obejmującą lata 1956-63 sam nazywał okresem Informel (bezforemność) preferując to francuskie zapożyczenie ponad termin taszyzm (la tache – plama).
Catalog Number: 48
Piece data:
Artist: Tadeusz Kantor
Title: Dłubiący w nosie
Dimensions: 30,0 x 21,0 x
Tools: ink, gouache, pastel
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaKraków, kolekcja prywatna
Catalog Number: 49
Piece data:
Artist: Tadeusz Kantor
Title: Umarła klasa
Dimensions: 32,4 x 36,0 x
Tools: ink, gouache, pastel
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaKraków, kolekcja prywatna
Catalog Number: 50
Piece data:
Artist: Tadeusz Kantor
Title: Dwaj księża
Dimensions: 28,0 x 16,5 x
Tools: ink, pastel, felt-tip pen
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaKraków, kolekcja prywatna
Catalog Number: 51
Piece data:
Artist: Tadeusz Kantor
Title: Cricot, 1979
Year: 1979
Dimensions: 21,0 x 14,5 x
Tools: gouache, pastel, crayon, pen
Surfaces: paper
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaKraków, kolekcja prywatna
Catalog Number: 53
Piece data:
Artist: Jerzy Tchórzewski
Title: Zmierzch, 1968
Year: 1968
Dimensions: 80,0 x 99,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnawłasność artysty
Exhibited: Warszawa, Zachęta, Jerzy Tchórzewski. Malarstwo, 04.1969
Reproduced: Cierpienie formy. Jerzy Tchórzewski. Malarstwo. Katalog, red. Czerni K. i Grabski J., wyd. Irsa, Kraków 2019, s. 164
Catalog Number: 54
Piece data:
Artist: Jerzy Nowosielski
Title: Akt, 1945
Year: 1945
Dimensions: 29,0 x 30,0 x
Tools: oil
Surfaces: board
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaKraków, kolekcja prywatnaKraków, Galeria Starmach
Reproduced: Jerzy Nowosielski, wyd. Galeria Starmach Fundacja Nowosielskich, Kraków 2003, s. 22, poz. 15
Catalog Number: 55
Piece data:
Artist: Aleksander Kobzdej
Title: Martwa natura z niebieskim obrusem, 1948
Year: 1948
Dimensions: 50,0 x 67,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Catalog Number: 58
Piece data:
Artist: Hanna Kali-Weynerowska
Title: Fernando, lata 50. XX w.
Dimensions: 71,0 x 178,0 x
Tools: mixed
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaHill Auction Gallery, aukcja 31.07.2019, poz. 0425USA, kolekcja prywatnaNowy Jork, Gallery 63
Exhibited: Nowy Jork, Gallery 63, Kali (wystawa indywidualna), 04.-05.1963
Reproduced: Kali [katalog wystawy], wyd. Gallery 63 Inc., Nowy Jork 1963
Catalog Number: 60
Piece data:
Artist: Henryk Stażewski
Title: Relief nr 9, 1979
Year: 1979
Dimensions: 44,5 x 45,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: board, beaverboard
Signed: Yes
Provenance: Łódź, kolekcja prywatnaRzym, Galleria Spicchi dell’Est
Exhibited: Rzym, Galleria Spicchi dell’Est, Henryk Stażewski (1894 – 1988), Rilievi e dipinti 1958/1987, 2.12.1991-8.02.1992
Reproduced: Henryk Stażewski (1894 – 1988), Rilievi e dipinti 1958/1987 [katalog wystawy], tekst: Giulio Andreotti, Enrico Crispolti, Janina Ładnowska, Marek Rostworowski, Ryszard Stanisławski, Galleria Spicchi dell’Est, Roma 2.12.1991-8.02.1992, Rzym 1992, s. 94
Catalog Number: 61
Piece data:
Artist: Henryk Stażewski
Title: Nr 12, 1975
Year: 1975
Dimensions: 64,5 x 64,5 x
Tools: acrylic
Surfaces: board, beaverboard
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 06.03.2018, poz. 73Wrocław, kolekcja Mariusza Hermansdorfera
Exhibited: Augsburg, Rathaus, 15 polnische Künstler, wrzesień-listopad 1978.
Reproduced: Hermansdorfer M., Kolekcja Hermansdorferów, wyd. MN Wrocław, 2013, s. 115.
Description: Henryka Stażewskiego bez wątpienia zaliczyć należy do grona najbarwniejszych postaci polskiej sztuki powojennej. Był nie tylko współtwórcą polskiego ruchu awangardowego, lecz miał też bliski kontakt ze środowiskiem światowej awangardy. Więzy przyjaźni łączyły go z takimi artystami jak Piet Mondrian, Kazimierz Malewicz, Michel Seuphor czy Theo van Doesburg. Henryk Stażewski studiował w latach 1913-1919 w Szkole Sztuk Pięknych w Warszawie w pracowni Stanisława Lentza. Należał do grupy ekspresjonistów polskich (od 1919 roku Formistów). Początkowo tworzył realistyczne akwarele w duchu impresjonizmu, akty, portrety oraz pejzaże. Po ukończeniu studiów w 1920 roku zadebiutował na wystawie zbiorowej w Towarzystwie Zachęty Sztuk Pięknych. Już wówczas podejmował nowe wyzwania, których pierwszym ważnym owocem był ogłoszony w 1923 roku manifest konstruktywistów. Był członkiem-założycielem Grupy Kubistów, Konstruktywistów i Suprematystów „Blok” (1924-1926) oraz ugrupowań, które rozszerzyły założenia programowe Bloku – Praesens (1926-29) i a.r. (1929-1936). Był redaktorem czasopism „Blok” i „Praesens”. Po wojnie odgrywał wiodącą rolę w życiu polskiego świata artystycznego będąc współtwórcą tak ważnych inicjatyw jak m.in. powstania warszawskiej Galerii Foksal i ruchu wokół niej skupionego.
Catalog Number: 62
Piece data:
Artist: Henryk Stażewski
Title: Relief nr 72, 1974
Year: 1974
Dimensions: 64,5 x 64,5 x
Tools: acrylic
Surfaces: board, beaverboard
Signed: Yes
Catalog Number: 63
Piece data:
Artist: Halina Wrzeszczyńska
Title: Ruch Elipsoidy w świetle i cieniu, 1968
Year: 1968
Dimensions: 43,5 x 43,0 x
Tools: tempera
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Catalog Number: 64
Piece data:
Artist: Richard Anuszkiewicz
Title: Triangulated Orange, 1977
Year: 1977
Dimensions: 213,0 x 121,5 x
Tools: acrylic
Surfaces: board, template
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Catalog Number: 65
Piece data:
Artist: Julian Stańczak
Title: Fala w kolorze czerwonym i niebieskim, 1969
Year: 1969
Dimensions: 60,5 x 61,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: board
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaAuktionshaus an der Ruhr, aukcja 14.11.2020, poz. 230Niemcy, kolekcja prywatnaDusseldorf, Galerie Denise Rene – Hans Mayer
Exhibited: Dusseldorf, Galerie Denise Rene – Hans Mayer, Julian Stańczak, 29.05.-08.07.1970
Catalog Number: 66
Piece data:
Artist: Wojciech Fangor
Title: NJ 8, 1965
Year: 1965
Dimensions: 122,0 x 122,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Exhibited: Kraków, Muzeum Narodowe w Krakowie, Wojciech Fangor. Space as play, 2012
Reproduced: Szydłowski S., Wojciech Fangor. Space as play [katalog wystawy], wyd. Muzeum Narodowe w Krakowie, Kraków 2012, s. 169
Description: Oferowana praca namalowana została w 1965 roku. Trzy lata wcześniej Fangor przebywał w Waszyngtonie na stypendium w Institute for Contemporary Art. Z pierwszej podróży do Stanów Zjednoczonych przywiózł nowe obserwacje i doświadczenia zdobyte zarówno na poziomie teoretycznym jak i praktycznym. W czasie stypendium bowiem nie zaprzestał malowania, w USA powstała cała seria płócien, w których artysta pogłębiał studia nad relacją obraz- przestrzeń- widz. Po powrocie do Paryża, bogaty o świeższe spojrzenie i z ugruntowanym już postanowieniem pozostania na Zachodzie malował. W tym czasie do jego palety zaczął powracać kolor. Oferowana praca NJ8 wpisuje się doskonale w konsekwentnie realizowaną przez Fangora koncepcję mówiącą iż możliwa jest iluzja przestrzeni rozwijająca się nie w głąb obrazu, ale w kierunku odbiorcy. Efekt ten osiągnięty został za pomocą płasko malowanych bezkonturowych form, w tym przypadku za pomocą koła czyli formy uznawanej za doskonałą. Zastosowana przez artystę kolorystyka ograniczona do trzech barw daje wrażenie ascezy Zastosowanie kształtów o kątach obłych, nieograniczających możliwości efektów bezkrawędziowych, takich jak jak fale, elipsy, koła, stanowiło jeden z warunków koniecznych do wywołania pozytywnej przestrzeni iluzyjnej. Obrazy malowane przez Fangora w latach 1958-1973 charakteryzował minimalizm, prostota i brak jakiejkolwiek faktury na powierzchni płótna. Równie istotnym kryterium był kolor. Zestawienie kontrastujących ze sobą barw aktywnie oddziałuje na widza, wzmaga ostrość jego dialogu z obrazem. Tak jak pisze Bożena Kowalska niezależnie od obszaru odniesień i asocjacji obrazy Fangora (…), zwłaszcza zaś jego pulsujące światłem kręgi, mają na widza bezpośrednie działanie magnetyczne. Koncentrują uwagę, przykuwają myśl i wyobraźnię, zdają się wciągać w swój obszar magii i tajemnicy. (cyt. za: Kowalska B., Twórcy – postawy. Artyści mojej galerii, Warszawa 2015, tom II, s. 112)
Catalog Number: 67
Piece data:
Artist: Wojciech Fangor
Title: Black 2, 1958
Year: 1958
Dimensions: 92,0 x 72,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Exhibited: Warszawa, salon Nowej Kultury, Studium przestrzeni, 1958
Reproduced: Fangor. Color and Space, ed. Dąbrowski M., wyd. Skira, Milano 2018, s. 12Szydłowski S., Wspomnienie teraźniejszości. Wojciech Fangor, wyd. Muzeum Narodowe we Wrocławiu, Wrocław 2015, s. 12Szydłowski S., Wojciech Fangor. Space as play [katalog wystawy], wyd. Muzeum Narodowe w Krakowie, Kraków 2012, ss. 46, 48
Catalog Number: 68
Piece data:
Artist: Wojciech Fangor
Title: Blue 4, 1961
Year: 1961
Dimensions: 70,8 x 63,6 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaSotheby’s New York, aukcja 10.03.2009, poz. 138USA, kolekcja prywatnazakup od artysty (1962)
Description: Obraz Blue 4, 1961 powstał parę lat po wystawie „Studium Przestrzeni” w Salonie Nowej Kultury w Warszawie, którą współtworzył ze Stanisławem Zamecznikiem. „Jedną z najważniejszych cech stylu Wojciecha Fangora jest poimpresjonistyczne wciągnięcie widza w interakcję z obrazem. To było podstawą Studium Przestrzeni, aktywność widza nadaje sens sztuce environment, a także odgrywało istotną rolę w pozostałej twórczości Fangora. Artysta zaprasza do gry, której nie popsujemy, jeśli poznamy jej zasady i uwzględnimy ich dynamikę oraz fakt, że zależą one także od nas”.- Stefan Szydłowski (fragment tekstu pt. „Wojciech Fangor. Mała retrospektywa” z katalogu wystawy Fangor. Malarstwo, wyd. ASP Gdańsk 2015, s. 25.). Prezentowany obraz jest kontynuacją obranego kierunku podczas wystawy „Studium Przestrzeni”. Na ekspozycji przestrzeń między pracami tworzyła autonomiczną niewidzialną instalację, a obrazy miały posłużyć jedynie jako ekrany, które pozwoliłyby dostrzec to, co pomiędzy nimi, a nie na nich. W tym wypadku stoimy przed jedną pracą, a efekty wspomnianej wystawy nadal trwa. Obraz przedstawia praktycznie białe płótno. Jedynie na jego krawędziach artysta wprowadził swoją malarską interwencję, tworząc błękitną smugę na lewym brzegu pracy oraz zamalowując rogi. Historia prezentowana na obrazie dzieje się poza jego granicami. To, co znajduje się na nim to cienie niewidzialnej kompozycji, o której opowiada nam Fangor, zapraszając do gry zapoczątkowanej na wystawie „Studium Przestrzeni”.
Catalog Number: 69
Piece data:
Artist: Wojciech Fangor
Title: #10, 1964
Year: 1964
Dimensions: 99,0 x 99,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaChristie’s (Nowy Jork), 07.10.2020, poz. 137Londyn, The Mayor GalleryNowy Jork, kolekcja Beatrice Perrywłasność artysty (do 1965)
Exhibited: Londyn, The Mayor Gallery, Wojciech Fangor. Six paintings from the sixties, 10.2015 Leverkusen (Niemcy), Städtisches Museum Schloss Morsbroich, Fangor, 06.-07.1964
Reproduced: Fangor. Color and Space, wyd. SKIRA, Mediolan 2018, il. 80, s. 85Wojciech Fangor. Six paintings from the sixties [katalog wystawy], wyd. The Mayor Gallery, Londyn 2015, okładka oraz s. 21Szydłowski. S., Wojciech Fangor. Przestrzeń jako gra [katalog wystawy], wyd. MNK, Kraków 2012, s. 153Fangor [katalog wystawy], Städtisches Museum Schloss Morsbroich, Leverkusen 1964, s. 47
Catalog Number: 70
Piece data:
Artist: Julian Henryk Raczko
Title: Morfologia podwójna III, 1977
Year: 1977
Dimensions: 82,5 x 42,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Łódź, kolekcja prywatnaDesa Unicum, aukcja 10.07.2003, poz. 44
Catalog Number: 71
Piece data:
Artist: Jan Ziemski
Title: Kontrapunkt, ok. 1966
Dimensions: 49,0 x 66,5 x
Tools: acrylic
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 23.05.2010, poz. 79zakup od artysty
Catalog Number: 72
Piece data:
Artist: Stanisław Fijałkowski
Title: Kompozycja 17.XI.66, 1966
Year: 1966
Dimensions: 27,0 x 20,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaAgra Art, aukcja 24.04.2005, poz. 12
Catalog Number: 73
Piece data:
Artist: Stanisław Fijałkowski
Title: XXXVII Autostrada, 1976
Year: 1976
Dimensions: 73,0 x 60,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaUSA, kolekcja prywatnawłasność artysty (do 2004 r)
Exhibited: Nowy Jork, Green Point Projects, Stanisław Fijałkowski: A Young Man Plans a Voyage, 2017Hamburg, Galerie Henning, 1980Kolonia, Galerie Karstadt, Stanislaw Fijalkowski. Ölblider – Grafiken, 12.09.-01.10.1977Niemcy, Galerie Beck, Stanisław Fijałkowski, 1976
Reproduced: Stanisław Fijałkowski: A Young Man Plans a Voyage [katalog wystawy], Green Point Projects, Nowy Jork, maj 2017, s. 25Stanislaw Fijalkowski. Ölblider – Grafiken [katalog wystawy], wyd. Galerie Karstadt, Kolonia 1977, zaproszenie do wystawy
Description: Stanisław Fijałkowski stworzył ponad 100 obrazów, które zawierają w tytule słowo „Autostrada”. Dla artysty był to współczesny symbol starotestamentowej drabiny Jakubowej. Historia opisana w Biblii opowiada o wizji, jaką ujrzał we śnie mężczyzna. Zobaczył drabinę, która połączyła niebo z ziemią i po której anioły mogły schodzić z nieba, a na jej szczycie stał Bóg Jahwe. Motyw drabiny Jakubowej był często poruszanym tematem przez artystów na przestrzeni historii sztuki. Przypowieść zainspirowała np. romantyka Williama Blakea czy symbolistę Marca Chagalla. Fijałkowski w wizji Jakubowej widział historię o połączeniu ducha z materią, świata duchowego z rzeczywistością. Jako swój symbol tych wartości przyjął motyw drogi. Zaczął pracować nad tematem „Autostrad”, już w latach 70. i kontynuował ten cykl przez wiele lat. Prace składają się z pasów, które przecinają się pod różnymi kątami. Pozornie abstrakcyjne kompozycje, mają naśladować ulicę, połacie pobocza oraz niebo. Obrazy są malowane w charakterystyczny dla artysty sposób: doskonałe w kolorystyce, pozornie syntetyczne jednak z zachowaniem szczegółu detalu. Fijałkowski pisał: „Dynamika postrzegania i symboliczne znaczenie czterech podstawowych elementów płótna – góry, dołu, lewej i prawej strony – czynią z niego żywą istotę przez nas zrodzoną i z nami ściśle zjednoczoną” (Fijałkowski S., [w:] Fijałkowski malowanie, wyd. Andzelm Gallery, Ząbki 2008, s. 14.) Tradycja łódzkiej szkoły, wpływ mistrza i profesora Strzemińskiego oraz fascynacja twórczością pionierów światowej awangardy sprawiły, że jego dzieła określane są mianem „wyrafinowanego i poetyckiego surrealizmu” lub „bezforemnej i geometrycznej abstrakcji”. Artysta posługuje się stonowaną gamą kolorystyczną i z pozoru niedbałymi figurami i formami – kołami, elipsami i liniami.
Catalog Number: 74
Piece data:
Artist: Stanisław Fijałkowski
Title: Inkografia obrazu Gagrwmnn, 1971
Year: 1971
Dimensions: 77,0 x 62,0 x
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Exhibited: (obraz olejny)Muzeum w Chełmie LubelskimŁódź, Atlas Sztuki, 2010Hamburg, Galeria Hening, 1974Sztokholm, Galeria Prisma, 1974Warszawa, Galeria Kordegarda, 1973Wenecja, 36 Biennale, 1972
Catalog Number: 75
Piece data:
Artist: Urszula Broll
Title: Kompozycja, 1957
Year: 1957
Dimensions: 51,5 x 51,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Poznań, kolekcja prywatna
Description: Początki działalności artystycznej Urszuli Broll przypadły na trudne lata powojenne. Była artystką niezależną, która jako jedna z nielicznych polskich malarek miała aktywny wpływ na kształtowanie się powojennej awangardy, zwłaszcza w środowisku katowickim. Jeszcze jako studentka, zetknęła się z gronem młodych artystów samodzielnie zgłębiających idee sztuki Władysława Strzemińskiego. W 1953 wraz z Karolem Swinarskim, a także Klaudiuszem Jędrusikiem, Hilarym Krzysztofiakiem, Marią Obrembą, Zdzisławem Stankiem utworzyła Grupę St-53 (nazwa odnosiła się tyleż do nazwiska patrona, co do miejsca powstania grupy – Katowic, ówczesnego Stalinogrodu). Grupa St-53 była jednym z najważniejszych ośrodków tzw. undergroundu artystycznego w Polsce lat 50. Działała do 1958. Broll uczestniczyła we wszystkich jej wystawach. W latach 50. brała też udział w II i III Wystawie Sztuki Nowoczesnej w Warszawie (1957 i 1959) oraz w Wystawie Malarstwa w XV-lecie PRL, Muzeum Narodowe, Warszawa 1961. Uczestniczyła także w dwóch edycjach Sympozjum „Złotego Grona“ w Zielonej Górze (1971 i 1977) i w innych wystawach zbiorowych. Jej prace z lat 50. ewoluowały od przedstawień figuralnych, stopniowo coraz bardziej zgeometryzowanych i syntetycznych, do abstrakcji, nawiązującej wprost do Strzemińskiego (cykl „Powidoki“). Od końca lat 60. artystka zainteresowała się taszyzmem i malarstwem materii, tworząc kompozycje fakturowe, z użyciem niestandardowych materiałów, jak lakiery, piasek itp. W pracowni, którą Broll prowadziła razem z mężem, Andrzejem Urbanowiczem, od lat 60. XX wieku funkcjonowało środowisko artystyczne nazywające się Grupą Oneiron, które skupiało swoją uwagę na okultyzmie, religii, magii i filozofii.
Catalog Number: 76
Piece data:
Artist: Roman Opałka
Title: 1965/1-∞ Detail-5558756-5564164
Dimensions: 196,0 x 135,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Szwajcaria, kolekcja prywatnawłasność artysty
Description: Program OPALKA 1965/1 – ∞ zapoczątkowany w 1965 roku w Warszawie i trwający aż do śmierci artysty w 2011 roku wypełnił parę dziesięcioleci jego pracy, pozostawiając po sobie kilkaset Detali – obrazów o identycznych wymiarach 196 x 135 cm, wymiarach – jak mawiał Opałka – antropometrycznych. Do programu Roman Opałka włączył też serię „Kartki z podróży” – rysunków o również jednolitych wymiarach 33,2 x 24 cm, wykonywanych w czasie gdy artysta zmuszony był opuścić pracownię a nie chciał zarzucać ciągłości liczenia.
Catalog Number: 77
Piece data:
Artist: Edward Krasiński
Title: Interwencje, 1974
Year: 1974
Dimensions: 70,0 x 50,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: board, beaverboard
Signed: Yes
Provenance: Łódź, kolekcja prywatnazakup od artysty
Description: Po raz pierwszy niebieska linia pojawiła się podczas przyjęcia organizowanego w domu Krasińskiego w Zalesiu Górnym pod Warszawą w 1970 roku. Oznaczył nią parę drzew oraz dwie dziewczynki. Od tego momentu artysta wielokrotnie wykorzystywał ten motyw w swojej twórczości. Pojawiał się on na ścianach galerii, w labiryntach stworzonych na potrzeby wystaw, na Biennale w Tokio, gdzie kolor został zamieniony na słowo „blue” oraz w wielu innych miejscach. Artysta wykorzystywał do pracy zawsze tą samą taśmę. Mówił: Pojawia się ona na wszystkim i wszędzie z nią docieram. Nie wiem, czy jest to sztuka. Ale na pewno jest to Scotch blue, szerokość 19 mm, długość niewiadoma. Niebieska taśma była constans, reszta mogła się nieustannie zmieniać a Scoth pozostawał zawsze tym czym jest, nadając innym rzeczom nowe konteksty. Nie przekształcał ich definicji, ale podkreślał i uwypuklał ich znaczenie. Krasiński przytwierdzał do ścian galerii różne konstrukcje geometryczne, skrzyneczki które mogły się otwierać i zamykać aby dzięki nim wydobyć więcej wymiarów dla niebieskiej linii, która wiła się na wysokości 130 cm. Pojawiły się też obrazy iluzoryczne w formacie 100 x 70 cm których również taśma nie omijała.
Catalog Number: 79
Piece data:
Artist: Ryszard Winiarski
Title: Seria 12 prac Vertical Game 4x4 , 1981
Year: 1981
Dimensions: 68,0 x 4,0 x 2,0
Tools: acrylic
Surfaces: board, beaverboard
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 16.10.2018, poz. 77Polska, kolekcja prywatnaFulda, Galerie New Spacewłasność artysty
Verified Artist: Yes
Catalog Number: 80
Piece data:
Artist: Kajetan Sosnowski
Title: Układy równowartościowe, 1975
Year: 1975
Dimensions: 116,0 x 116,0 x
Tools: individual
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Białystok, kolekcja prywatna
Description: Oferowana praca pochodzi z najbardziej cenionego i ważnego okresu twórczości Kajetana Sosnowskiego. Pierwsze „obrazy szyte” zrealizował artysta w połowie lat 70 i należały do cyklu Katalipomena. W monochromatycznych kompozycjach z pozszywanych kawałków surowego płótna lub bawełny Sosnowski akcentował związek sztuki z naturą, starając się przy tym zwrócić uwagę na zagrożenia cywilizacyjne. Sam artysta tak pisał o tych pracach: Len i bawełna to bezpośrednie produkty przemiany materii zachodzącej w roślinie, jej wymiany między ziemią a słońcem, przy której powstaje tlen, tak niezbędny dla naszej egzystencji. 'Katalipomeny’ stały się hołdem dla doskonałości natury – ku uwadze i refleksji widza. Obrazy szyte stały się poniekąd symbolem istoty malarstwa, zwracając uwagę na to, co zazwyczaj ukryte dla oczu widza. Układy równowartościowe były kontynuacją wspomnianego cyklu Katalipomena. Wykonywane w tej samej technice, na początku monochromatyczne, z biegiem lat stały się wielobarwne. Zasady, którymi rządził się ten cykl, oparte były na logice i naukowych podstawach. Pole jednego koloru lub kierunku splotu zajmuje dokładnie taką samą powierzchnię, co pole innego koloru lub kierunku splotu. Poprzez zachowanie takich proporcji Układy równowartościowe wzbudzają w odbiorcy poczucie ładu, harmonii i spokoju. Praca wyraża się poprzez stosowaną przez Sosnowskiego formę trójkątnych elementów pozszywanych ze sobą i naciągniętych na blejtram. Mimo jednolitej barwy i gładkiej powierzchni zastosowanej tkaniny całość różnicowana jest przez światło, które w każdym z poszczególnych elementów inaczej odbija się od splotów nici. I to właśnie rola światła i koloru jest absolutnie nadrzędna w pracach Sosnowskiego, który celowo nadaje surowość swoim pracom pomijając zupełnie wątek przedstawieniowy.
Catalog Number: 81
Piece data:
Artist: Henryk Płóciennik
Title: Kompozycja czerwona, 1990-1991
Year: 1990
Dimensions: 147,0 x 114,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Verified Artist: Yes
Catalog Number: 83
Piece data:
Artist: Erna Rosenstein
Title: Konstruktor czasu, 1969
Year: 1969
Dimensions: 67,5 x 77,5 x
Tools: gouache
Surfaces: board
Signed: Yes
Provenance: Kraków, kolekcja prywatnawłasność artystki
Description: Twórczość Erny Rosenstein stanowi indywidualną „trawestację” doświadczeń surrealizmu, chociaż sama artystka nie lubiła być nazywana surrealistką. Ojej kompozycjach pisano między innymi, że przypominają wschodnie miniatury lub stare, azjatyckie zaklęcia. Rosenstein wcześnie porzuciła figurację na rzecz abstrakcji, która bardziej odpowiadała jej wyobraźni. Zauroczona była witalnością natury, jej nieposkromionym przeistaczaniem się w coraz to inne twory. W latach 50. i 60. powstawały rysunki nacechowane specyficznym i charakterystycznym horror vacui, wypełnione niemal szczelnie rozmaitymi elementami. Do przykładów takich prac należy oferowana „Zalążki światła” z 1959 roku. Artystka skupia uwagę widza na przestrzeni obrazu, którą sugeruje ukazując przenikające się ruchliwe formy, stosując rozlewające się plamy barwne, czasami posiadające odniesienia przedmiotowe, a niekiedy ich pozbawione. W wielu kompozycjach z tego okresu znaczącą funkcję pełni zdecydowany kontur, niekiedy zaś „(…) linia skłębiona wszykim ruchu. Linia, która staje się zapisem, automatycznym działaniem, linia, która, jak w podpisie, przybiera, bo przybierać musi, przebieg jedyny i niepowtarzalny” jak pisał Maciej Gutowski. Z kolei Agnieszka Taborska w tekście towarzyszącym wystawie poświęconej Ernie Rosenstein zorganizowanej przez Fundację Galerii Foksal (2011) zauważa, że: „jej linearne, oniryczne rysunki przywodzą na myśl szkice Uniki Zürn, surrealistki i poetki (przez Maksa Ernsta uważanej za najwybitniejszą żyjącą poetkę niemiecką). Rysunkowe kosmiczne krajobrazy (choćby „ Pomniki”) wiodą myśli ku obrazom Yvesa Tanguy’ego. Poetyckość i humor pejzażowych rysunków Toyen, Magritte’a i Topora też czai się gdzieś za rogiem”. Erna Rosenstein uprawiała swoją surrealistyczną sztukę na przekór niechęci a wręcz wrogości z jaką odnosiły się do niej ówczesne władze komunistyczne widzące w wywrotowym humorze i poetyce snu niebezpieczeństwo dla systemu. I to odróżniało artystkę od surrealistów francuskich, dla których uprawianie naznaczonej surrealizmem sztuki było wyborem wyłącznie estetycznym, bez politycznych konsekwencji. Aktywność artystyczna Rosenstein w tak niesprzyjających warunkach stanowiła wyraz dużej odwagi.
Catalog Number: 84
Piece data:
Artist: Teresa Tyszkiewicz
Title: Image Blanc, 2000
Year: 2000
Dimensions: 141,0 x 104,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Catalog Number: 85
Piece data:
Artist: Jan Tarasin
Title: Pożar, 1976
Year: 1976
Dimensions: 117,0 x 90,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Description: Na szczególną uwagę zasługuje seria obrazów powstałych w połowie lat 70., noszących wspólny tytuł „Pożar”. Są to kompozycje, w których dominuje kolorystyka intensywnej czerwieni i pomarańczy a przedmioty – znaki zgromadzone w dolnym rejestrze płótna zdają się płonąć. Przedmioty umieszczone wyżej w dużo mniejszym zagęszczeniu przypominają unoszące się w powietrzu nadpalone fragmenty. W spokojny świat wkrada się niepokój. Ale to ciągle ten sam świat, poprzez który Tarasin udowadnia iż abstrakcja to odrealniona rzeczywistość a przedmioty mają tylko sugerowaną substancję, domyślny ciężar, przeczuwaną dynamikę i zdradzają ukierunkowanie napięć, domagając się swojego miejsca w przestrzeni. Jak podkreśla Anda Rottenberg ze względu na wewnętrzną spójność i konsekwencję jaka cechowała artystę na przestrzeni jego artystycznej drogi twórczość Jana Tarasina w pełni zasługuje dziś na miano dzieła.
Catalog Number: 87
Piece data:
Artist: Teresa Pągowska
Title: Sen o pustym pokoju, 2002
Year: 2002
Dimensions: 140,0 x 130,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: USA, kolekcja prywatnazakup od artystki (2004)
Exhibited: Nowy Jork, The Female Gaze: Women Surrealists in the Americas and Erope, 05.-07.2019Nowy Jork, Heather James, 2019 Nowy Jork, Green Point Project, Józef Czapski and Teresa Pągowska returning to New York, 11.-12.2018Warszawa, Piękna Gallery, Teresa Pągowska. Malarstwo, 09.-10.2017
Reproduced: Orestein G.,Tomaszewski P., The Female Gaze: Women Surrealists in the Americas and Erope [katalog wystawy], Heather James, Nowy Jork, 2019, s. 96Bartelik M., Józef Czapski and Teresa Pągowska returning to New York [katalog wystawy], Green Point Projects, Nowy Jork, Łódź 2018, s. 45Teresa Pągowska. Malarstwo, Piękna Gallery, Warszawa, 2017, s. 43
Catalog Number: 88
Piece data:
Artist: Teresa Pągowska
Title: Zwierzyniec, 1995
Year: 1995
Dimensions: 150,0 x 140,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 10.12.2019, poz. 69Warszawa, kolekcja prywatna
Exhibited: Poznań, Muzeum Narodowe – Poznańska Galeria Nowa, Teresa Pągowska. Malarstwo, 2003
Reproduced: Teresa Pągowska. Malarstwo [katalog wystawy], wyd. Muzeum Narodowe, Poznań, 2001, s. nlb
Description: Przedstawieniom postaci ludzkiej w twórczości Pągowskiej towarzyszyły przedstawienia zwierząt. Pojawiały się one niekiedy na płótnach razem z ludźmi, w innych przypadkach występowały samodzielnie: pojedynczo lub w grupach. Niekiedy towarzyszyły im określone przedmioty. Rzadko sięgała artystka po zwierzęta dzikie, dużo częściej bohaterami jej płócien były zwierzęta domowe, pies i kot. W obrazie „Zwierzyniec” z 1995 roku szczególnie interesująca jest postać kobiety. Rzadko spotyka się na obrazach Pągowskiej, aby twarz przedstawionej postaci była tak szczegółowo rozrysowana. Zbigniew Taranienko w rozmowie z artystką zauważył, że w jej obrazach często postać pojawia się z kontekście konkretnego przedmiotu. Odpowiedź Pągowskiej wyjaśnia tę kwestię: „Jeśli na obrazie są przedmioty, mają na celu dookreślenie postaci; nie przedstawiają siebie. Istnieją w tle, które w syntetyczny sposób mówi o przestrzeni (…)”. W rzeczywistości dla Pągowskiej nie jest ważny przedmiot. On ma jedynie pomóc opisać sytuację znajdującej się obok postaci. Niektóre z obrazów mają wręcz epifaniczny charakter, jak te kwadratowe o niewielkich wymiarach, które artystka zaczęła malować w latach 90. Powstało wówczas prawdopodobnie najwięcej przedstawień zwierząt w jej sztuce. W tym samym czasie i w tej samej konwencji artystka malowała również przedmioty. Były to martwe natury prezentujące zazwyczaj pojedyncze obiekty czy postaci zwierząt, przedstawione niczym symbole, wyeksponowane w centralnej partii płótna stanowiły jedyny element kompozycji. Obrazy te zachowują nadrzędną cechę malarstwa artystki jaką są zwięzłość i oszczędność. Oszczędność nie tylko w formie, ale i w tematyce zawężonej do spraw prostych i błahych – kot, pies, czajnik, filiżanki czy butelki. Wszystko to przywodzi na myśl dom, zwykłe życie, ale obdarzone wielką żywotnością i energią, które Pągowska wynosi na piedestał. „Patrzę, żeby widzieć i opowiedzieć to w obrazie, zafascynowana paradoksalnością sztuki, tajemnicą i osobistą logiką każdego obrazu. Zachwyciło mnie określenie jednego z przyjaciół, że są w mym malarstwie ‘fanaberyjność i nieprzewidywalność’. Ależ tak! To cechy miłości. A jeśli miłość to ciągłe szukanie, niedosyt, zaczynanie wciąż od początku. Rodzaj zapominania jak to się robi, po to, by zostawić wolny teren dla wyobraźni. A więc malarzowi potrzebne są tajemne machinacje, mimo że tajemniczość składa się często ze spraw prostych” (Gotowski M., Teresa Pągowska, Warszawa 1996, s. 7)
Catalog Number: 89
Piece data:
Artist: Władysław Jackiewicz
Title: Pejzaż
Dimensions: 170,0 x 130,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnazakup od artysty (2005)
Exhibited: Warszawa, Piękna Gallery, Władysław Jackiewicz. Mowa ciała, 5.09. – 4.10.2019
Catalog Number: 90
Piece data:
Artist: Aleksandra Jachtoma
Title: Bez tytułu, 2015
Year: 2015
Dimensions: 120,0 x 100,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Catalog Number: 91
Piece data:
Artist: Jan Chwałczyk
Title: 5.02.85, 1985
Year: 1985
Dimensions: 62,0 x 49,0 x
Tools: gouache
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Białystok, kolekcja prywatna
Catalog Number: 92
Piece data:
Artist: Jan Chwałczyk
Title: 3.01.85, 1985
Year: 1985
Dimensions: 63,0 x 49,0 x
Tools: gouache
Surfaces: paper
Signed: Yes
Provenance: Białystok, kolekcja prywatna
Catalog Number: 94
Piece data:
Artist: Leon Tarasewicz
Title: Kompozycja, 2017
Year: 2017
Dimensions: 100,0 x 100,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Catalog Number: 95
Piece data:
Artist: Edward Dwurnik
Title: Abstrakcja, 2017
Year: 2017
Dimensions: 146,0 x 114,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Catalog Number: 96
Piece data:
Artist: Edward Dwurnik
Title: Wawel, 2016
Year: 2016
Dimensions: 114,0 x 146,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Exhibited: Warszawa, Galeria Stalowa, Edward Dwurnik i Joanna Mieszko-Nita, 26.04-29.05.2018
Catalog Number: 97
Piece data:
Artist: Edward Dwurnik
Title: Pani Zofia, 1990
Year: 1990
Dimensions: 144,0 x 114,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Kraków kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 17.03.2020, poz. 87Białystok, kolekcja prywatnazakup od artysty
Reproduced: Sportowcy. Edward Dwurnik, red. Pola Dwurnik, Warszawa, 2011, s. 453Edward Dwurnik, wyd. Galeria Opera, Warszawa, 2016-2017, s. 17
Catalog Number: 98
Piece data:
Artist: Igor Mitoraj
Title: Perseusz, 1988
Year: 1988
Dimensions: 39,0 x 25,0 x
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Catalog Number: 99
Piece data:
Artist: Igor Mitoraj
Title: Asklepios, 1988
Year: 1988
Dimensions: 36,5 x 26,5 x
Signed: Yes
Catalog Number: 100
Piece data:
Artist: Natalia Lach-Lachowicz Natalia LL
Title: Forma Platońska, 1990
Year: 1990
Dimensions: 130,0 x 105,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Poznań, kolekcja prywatna
Catalog Number: 102
Piece data:
Artist: Zdzisław Beksiński
Title: Bez tytułu, 1976
Year: 1976
Dimensions: 73,0 x 60,0 x
Tools: oil
Surfaces: board
Signed: Yes
Provenance: Kraków, kolekcja prywatnaSanok, kolekcja Tadeusza Turkowskiego
Exhibited: Sanok, Muzeum Historyczne, Zdzisław Beksińsk, 1999
Reproduced: Beksiński 1, wyd. BOSZ Art, Olszanica 2018, s. 22
Description: W latach 70. Zdzisław Beksiński odszedł od rysunku i grafiki, którymi posługiwał się od lat 60. Jako sposób wypowiedzi wybrał malarstwo olejne, któremu pozostał wierny do końca swej twórczej drogi. Nie było wtedy malarza, którego twórczość można by było zestawić z pracami Beksińskiego. W czasie, gdy w malarstwie polskim królowała abstrakcja, Beksiński malował figuratywnie. Była to figuracja na wskroś oryginalna, stąd często można spotkać się z przypisywaniem twórczości artysty cech neofiguracji. W ten sposób narodził się najsłynniejszy cykl obrazów Beksińskiego utożsamiany z okresem fantastycznym. Z początkiem lat 70. wyraźnie mniej na płótnach artysty czaszek, upiorów, rozkładających się ciał, za to pojawiają się wielkie, nastrojowe pejzaże, pełne tajemniczych budowli i ruin porośniętych trawą.
Catalog Number: 104
Piece data:
Artist: Witold Kaczanowski (Witold-K)
Title: Bez tytułu z cyklu: Ludzie, 1970
Year: 1970
Dimensions: 90,0 x 87,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Catalog Number: 106
Piece data:
Artist: Jarosław Modzelewski
Title: Martwa natura wojskowa, 2002
Year: 2002
Dimensions: 80,0 x 92,0 x
Tools: tempera
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Łódź, kolekcja prywatna
Exhibited: Olsztyn, Muzeum Warmii i Mazur, Obrazy różne, 2004 Kraków, Galeria Zderzak, Martwe natury, 05.04-23.05.2002
Reproduced: Jarosław Modzelewski obrazy 1977-2006, red. Jan Michalski, wyd. Zderzak, Kraków 2006, s. 212Michalski J., Martwe natury z komentarzem, w: Jarosław Modzelewski. Martwe natury, Galeria Zderzak, Kraków 2002, s. 19Michalski J., Modzelewski J., Komentarze do martwych natur, w: Jarosław Modzelewski. Martwe natury, Galeria Zderzak. Kraków 2002, s. 18
Description: Jarosław Modzelewski kurczowo trzyma się rzeczywistości. W swojej dawniejszej twórczości zdarzało mu się korzystać z elementów wymyślonych czy zmyślonych sytuacji. Zrezygnował z nich na rzecz wnikliwej obserwacji świata, który interpretowany na płótnie nie potrzebuje „podkoloryzowania”. Artysta zdradza, co jest dla niego inspiracją” „…wiele lat miałem pracownię pod Warszawą, teraz też mieszkam poza miastem. Stąd i na obrazach zamiast tętniących życiem ulic pojawiają się sceny z przedmieść: a to ktoś prowadzi drogą psa na spacer, to znowu wędruje gdzieś nad wodą. – Wszystkie te obrazki były swego rodzaju inspiracjami emocjonalnymi. Sama scenka jest mniej istotna, liczy się kolor, światło, kompozycja. Patrząc na z pozoru zwykłe zdarzenie, widzę obraz.”
Catalog Number: 107
Piece data:
Artist: Jarosław Modzelewski
Title: Zjednoczone koszule, 1990
Year: 1990
Dimensions: 110,0 x 200,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatnaPolswiss Art, aukcja 17.03.2020, poz. 76Warszawa, kolekcja prywatna
Reproduced: Jarosław Modzelewski obrazy 1977-2006, red. Jan Michalski, wyd. Zderzak, Kraków 2006, s. 175
Description: Na sznurze wiszą trzy wieszaki, ubrane w koszule, które zdają się być zanurzone w niebieskiej farbie. Zabrudzone mankiety oraz dół ubrań zlewa się z błękitem tła i podłogi. Świadkiem tej surrealistycznej a mimo wszystko codziennej sytuacji jest czarny stolik, który podtrzymuje kompozycję aby nie runęła w prawym kierunku. Czy obraz jest o tytułowych koszulach („Zjednoczone koszule”), o stoliku, czy jednak o człowieku?
Catalog Number: 108
Piece data:
Artist: Włodzimierz Pawlak
Title: Historia koloru, 1995-1996
Year: 1995
Dimensions: 61,0 x 50,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Łódź, kolekcja prywatna
Exhibited: Warszawa, Galeria Program, Gruppa. Przyznajemy się do winy. Prosimy o wybaczenie. Obiecujemy poprawę, 2002
Catalog Number: 109
Piece data:
Artist: Włodzimierz Pawlak
Title: Dziennik, 2013
Year: 2013
Dimensions: 40,0 x 50,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Provenance: Warszawa, kolekcja prywatna
Description: Obrazy pochodzące z cyklu Dzienniki prowadzone są przez Pawlaka w różny sposób: część z nich wykonywana jest na płótnie i zachowana jest w monochromatycznej gamie kolorystycznej przeplatanej znakami pisma, inne natomiast wyrażane są w formie rysunku ołówkiem na papierze lub w formie gablotek które zawierają przedmioty codziennego użytku artysty. W Dziennikach malowanych permanentny kryzys, jakim jest życie, jego jednostajność i powtarzalność, znaczy Pawlak tysiącami krótkich kresek rytych w farbie. Odkąd w 1989 roku obrazem Polacy formują flagę narodową artysta rozstał się symbolicznie z czasem, gdy zamierzeniem jego było towarzyszyć rodakom w ich trudnym losie – czyni to już tylko dla siebie. Potrzebny mi był dziennik w ogóle, potrzebowałem jakiegoś systemu, chciałem znaleźć metodę na dzień. – mówił artysta w filmie Pawła Sosnowskiego Dzień po dniu jestem artystą. Dzienniki opisywane kolejnymi numerami są rejestrem prywatnego czasu. Kreślenie siedmiu linii, przekreślanie ich ósmą nadają rytm, wprowadzają w swoisty trans. Na pewien czas znikam, nie ma mnie. Kiedyś to potrafiło trwać kilka godzin, ale teraz robię sobie takie święta tylko kilkuminutowe – mówi Pawlak. Dzienniki malowane były najczęściej białą farbą, znane są również prace niebieskie i czerwone. Wybór koloru nigdy nie był u Pawlaka dziełem przypadku, idąc w ślad artystów awangardy międzywojennej chciał w swojej sztuce rozszerzyć oddziaływanie światła, koloru i przestrzeni. Ale do każdej z barw ma artysta osobisty stosunek, każda budzi w nim inne odczucia.
Catalog Number: 110
Piece data:
Artist: Włodzimierz Pawlak
Title: Ikona industrialna , 2014
Year: 2014
Dimensions: 90,0 x 90,0 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Catalog Number: 111
Piece data:
Artist: „OBA" Grzyb Ryszard i Osiowski Marcin
Title: Marilyn Monroe - Na plaży, 2002
Year: 2002
Dimensions: 160,0 x 120,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Exhibited: OBA. Ryszard Grzyb & Marcin Osiowski. Piękna dezynwoltura. My oba to trzecia osoba, Galeria Program, Warszawa 2003Warszawa, Muzeum Rzeźby im. Xawerego Dunikowskiego Oddział Muzeum Narodowego w Warszawie, OBA Ryszard Grzyb & Marcin Osiowski Piękna dezynwoltura my oba to trzecia osoba, 2003
Reproduced: OBA Ryszard Grzyb & Marcin Osiowski Piękna dezynwoltura my oba to trzecia osoba [katalog wystawy], Muzeum Rzeźby im. Xawerego Dunikowskiego Oddział Muzeum Narodowego w Warszawie, red. Dorota Monkiewicz, Warszawa 2003, s. 45
Description: OBA to nazwa wspólnych działań malarskich Ryszarda Grzyba i Marcina Osiowskiego. Sami artyści efekt tej współpracy traktują nie tylko jako przedłużenie indywidualnych poszukiwań, ale przede wszystkim jako autonomiczną wartość, która krystalizuje się w trakcie rozmów i wspólnych malarskich sesji cechujących się mniejszą lub większą regularnością od 2001. Tym, co skłoniło ich do wspólnego malowania, co połączyło jako ludzi i malarzy, to poczucie humoru i wyczulenie na absurdy codzienności.
Verified Artist: Yes
Catalog Number: 112
Piece data:
Artist: Andrzej Nowacki
Title: 24.03.2020, 2020
Year: 2020
Dimensions: 100,0 x 100,0 x
Tools: acrylic
Surfaces: board, beaverboard
Signed: Yes
Catalog Number: 113
Piece data:
Artist: Konrad Jarodzki
Title: Mazurkiewiczowi, 1985
Year: 1985
Dimensions: 140,5 x 40,5 x
Tools: oil
Surfaces: canvas
Signed: Yes
Reproduced: Konrad Jarodzki: Nadchodzi [katalog towarzyszący wystawie], wyd. Muzeum Narodowym we Wrocławiu, Wrocław 2008, s.19
Description: Oferowany obraz Konrad Jarodzki zadedykował swojemu nieżyjącemu przyjacielowi jeszcze z czasów studiów, Alfonsowi Mazurkiewiczowi. Mazurkiewicz był jednym z najciekawszych twórców powojennego Wrocławia, a jego obrazy zaklasyfikować można do malarstwa materii spod znaku miękkiej organicznej linii. Zmarł młodo w 1975 roku.
Catalog Number: 114
Piece data:
Artist: Alicja Karska Aleksandra Went
Title: Z serii Ebru, 2014
Year: 2014
Dimensions: 175,0 x 96,5 x
Description: W seriiEbrugrając na skojarzeniach z kamienną materią marmuru artystki w przewrotny sposób interpretują przypisywaną rzeźbie ideę trwałości. Wielkoformatowe fotografie, które wyglądają jak wielkie kamienne płyty, okazują się być przeskalowanymi zdjęciami marmurowych deseni książkowych okładek wykonanych tradycyjną techniką ebru. „Marmurkowanie”, stara turecka technika zdobienia papieru stosowana w tradycyjnej sztuce introligatorskiej kojarząca się z zeszłowiecznymi woluminami, przywołuje pamięć archiwalnych otchłani i zakurzonych, bibliotecznych półek, uprzywilejowanych miejsc przechowywania pamięci.
Verified Artist: Yes
Catalog Number: 115
Piece data:
Artist: Ryszard Waśko
Title: dyptyk Man in the Night (to Barnet Newman), 1988-1989
Year: 1988
Dimensions: 160,0 x 120,0 x
Surfaces: canvas
Exhibited: Łódź, Muzeum Historii Miasta, Ryszard Waśko Łódź – Berlin. Prace z lat 1971 – 1996, 1.10.-30.10.2008 (lewy)Tel Aviv, Many H. Gallery, Ryszard Waśko selected works 1986-2000, 22.12.2000- 5.01.2001 (prawy)
Reproduced: Ryszard Waśko [katalog wystawy], Muzeum Historii Miasta Łodzi, Łódź 2008, s. 34 (lewy)Ryszard Waśko. Selected works 1986-2000, wyd. Studio 101, Łódź 2000, s. 11 (prawy)
Catalog Number: 116
Piece data:
Artist: Andrzej Paruzel (1952)
Title: Zupa i marchewka z groszkiem, 2016
Year: 2016
Dimensions: 130,0 x 95,0 x 10,0
Exhibited: Radom, MCSW Elektrownia, Szczekał na mnie wnuk psa, który szczekał na Strzemińskiego, 2019 ?Szczecin, Trafostacja sztuki, Spotkałem kogoś, kto w czasie pierwszej rozmowy opowiedział mi książkę która wczoraj miałem napisać, 2020
Reproduced: Magazyn SZUM, nr 25, lato/jesień 2019Szczekał na mnie wnuk psa, który szczekał na Strzemińskiego [katalog wystawy], wyd. Mazowieckie Centrum Sztyki Współczesnej Elektrownia w Radomiu, Radom 2019, s. 188
Verified Artist: Yes